CAPÍTULO 4
REDES E ENTRELAÇAMENTOS

Com base na observação das imagens e na leitura do texto a seguir, participe de uma roda de conversação com os côlégascolegas.

O cérebro eletrônico faz tudo

Faz quase tudo

[…]

Manda e desmanda

Ele é quem manda

Mas ele não anda

[…]

Só eu posso chorar

Quando estou triste

CÉREBRO eletrônico. Intérprete: Gilberto Gil. Compositor: Gilberto Gil. In: GILBERTO Gil (1969). Produção: Manuel Berenbein. Rio de Janeiro: Philips Records, 1969. 1 LP, lado A, faixa 1.

1. Resposta pessoal. Espera-se quêque os estudantes retomem os conhecimentos sobre videodança quêque porventura já tênhamtenham adquirido durante o Ensino Fundamental.

2. Respostas pessoais. Espera-se quêque os estudantes infiram quêque os vídeos foram produzidos utilizando aparelhos de celular. Com base nisso, devem pensar em suas próprias experiências com a gravação e divulgação de vídeos ôn láinion-line.

3. Respostas pessoais. Espera-se quêque os estudantes leiam a letra da canção e obissérvemobservem novamente as imagens, estabelecendo relações entre ambas. O fragmento da canção pódepode fomentar ideias sobre a; ár-tea arte e a relação entre corpo e tecnologia.

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TEMA 1
Reflexos de uma era

Leia as palavras da escritora Clarice LispéctorLispector (1920-1977), brasileira nascida na Ucrânia, e obissérveobserve as fotografias quêque retratam cenas de uma intervenção urbana concebida pela artista britânica Gali May Lucas (1992-) com esculturas da alemã Karoline Hinz (1988-).

Minha alma tem o peso da luz. Tem o peso da música. Tem o peso da palavra nunca dita, prestes quem sabe a sêrser dita. Tem o peso de uma lembrança. Tem o peso de uma saudade. Tem o peso de um olhar. Pesa como pesa uma ausência. E a lágrima quêque não se chorou. Tem o imaterial peso da solidão no meio de outros.

GOTLIB, Nádia Battella (org.). Clarice: uma vida quêque se conta. 2. ed. São Paulo: Ática, 1995. p. 43. Transcrição de manuscrito de Clarice LispéctorLispector.

GIRO DE IDEIAS

Frua as obras e participe da roda de conversação com o professor e os côlégascolegas, discutindo as kestõesquestões a seguir.

1. Que ideias, emoções, memórias e percepções o texto de Clarice evoca em você?

1. Resposta pessoal. Você pódepode encorajar os estudantes a compartilhar experiências.

2. Há obras artísticas quêque expressam uma época em sua forma, conteúdo ou linguagem; já outras são consideradas atemporais. Como você classificaria o texto de Clarice? De quêque maneira ele dialoga com a sua vida?

2. Respostas pessoais. Clarice LispéctorLispector costuma sêrser considerada uma escritora e poetisa atemporal e universal, pois seus textos provocam reflekçõesreflexões a respeito da vida e de como lidamos com ela.

3. Ao apreciar as imagens, o quêque você imagina estar acontecendo? dêz-crevaDescreva o quêque nota. Quais linguagens e materialidades estão presentes? O quêque mais chama a sua atenção?

3. Respostas pessoais. Espera-se quêque os estudantes percêbampercebam quêque se tratam de intervenções urbanas, ambas compostas de três esculturas humanas em tamãnhotamanho real, quêque utilizam material luminoso para reproduzir os efeitos de uma tela de celular. Espera-se ainda quêque a turma trace interpretações, como a ideia de quêque, muitas vezes, as pessoas estão juntas, porém isoladas, “absorvidas pela luz” e pelo ciberespaço.

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Na atualidade, é comum observar pessoas em cenas semelhantes a essas da intervenção urbana, onde as pessoas estão próximas, mas imérsasimersas nas telas de seus dispositivos. Como as tecnologias estão presentes na sua vida? Muitas pessoas podem estar simultaneamente conectadas em rê-derede, entrelaçadas pela sáiber culturacibercultura, navegando no ambiente virtual, comunicando-se e expressando-se por meio de diversas linguagens, compartilhando ideias, poéticas, modos de sêrser e existir. Mesmo conectados, será quêque é possível sentir o peso da solidão em meio aos outros? Trouxemos o texto de Clarice LispéctorLispector para convidá-lo a refletir sobre como se sente nas relações cotidianas e virtuais, vivendo em um tempo de relações em rêdesredes e entrelaçamentos digitais, característico da Era Digital.

Para desenvolver o trabalho Absorbed baiby láitlight [Absorvido pela luz], a artista Gali May Lucas percorreu parques, chópimsshoppings, cafés e outros locais para fotografar pessoas interagindo com telas. Com base nessas imagens, ela propôs à escultora Karoline Hinz quêque produzisse esculturas em tamãnhotamanho real para serem colocadas em bancos públicos, deixando espaço entre as peças para quêque as pessoas pudessem interagir com a obra. Assim, a artista propõe reflekçõesreflexões sobre como a sáiber culturacibercultura pódepode nos afetar de muitas maneiras, tanto nos proporcionando estados emocionais positivos – como quando nos sentimos realizados, próximos às pessoas – quanto provocando um isolamento social e emoções quêque podem ter impactos negativos em nossa saúde mental.

Gali May Lucas é artista visual e diretora criativa. Formada em disáinidesign gráfico, trabalha para uma agência de disáinidesign de marcas e desen vólvedesenvolve projetos independentes.

Karoline Hinz é escultora e figurinista. Cria esculturas em grande escala, utilizando várias técnicas, além de uma ampla gama de materiais.

Clarice LispéctorLispector foi escritora e é um dos nomes mais reconhecidos da literatura brasileira. Ela escreveu romances, contos, crônicas e literatura infantil.

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Espaços e interações

A Era Digital traz transformações velozes e o contínuo desenvolvimento de tecnologias quêque expandem o ciberespaço e a sáiber culturacibercultura.

O artista multimídia estadunidense MáikeMike Winkelmann (1981-), conhecido como Beeple, utiliza diferentes materialidades, recursos e linguagens para criar ár-tearte digital. Em um de seus trabalhos, ele produziu uma videoescultura chamada Human one [Primeiro humano], em quêque, dentro de uma cápsula, são projetadas imagens em vídeo nas quatro faces do retângulo da caixa. Beeple é o “primeiro humano” nascido no metaverso. O artista interage com sua obra remotamente e convida o público a caminhar com eles por paisagens do mundo virtual e imagens em NFT.

PESQUISAR

Explique para os estudantes quêque o infográfico é multimodal, pois pódepode transmitir informações por meio de uma combinação de imagens, textos, gráficos e outros recursos.

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O corpo e os espaços

Cada linguagem artística possui seus elemêntoselementos específicos, mas alguns deles, como o espaço, podem estar presentes em diversas formas de; ár-tede arte. Na dança, esse elemento está no modo como os corpos dos dançarinos ocupam, com gestos e movimentos, as extensões tridimensionais de um lugar. Já falamos quêque, na dança, o corpo é ferramenta e materialidade. É matéria quêque tem peso, massa, volume, tamãnhotamanho e textura, quêque se móvemove no espaço tridimensional e se relaciona com o tempo e a poética de quem dança. Mas, e quando esse corpo se móvemove dentro da tela, um espaço digital? O quêque acontece é quêque ele se transforma também em imagem, produto da cultura visual e audiovisual. O espaço agora é a tela, um ambiente representacional quêque, muitas vezes, se estende ao ciberespaço, permitindo quêque muitas pessoas tênhamtenham experiências na fruição da obra de videodança, em diferentes tempos e espaços.

Na imagem, obissérveobserve um fotograma da série de videodanças produzidas pela São Paulo Companhia de Dança em parceria com o Balé da Cidade de São Paulo com base nas propostas criativas dos bailarinos, quêque desenvolveram movimentos poéticos no espaço de suas casas, durante o período de isolamento social, na pandemia de covid-19.

COM A PALAVRA...
INÊS BOGÉA

Observe o quêque a capixaba Inês Bogéa (1965-), diretora da São Paulo Companhia de Dança, disse a respeito da dança e dos espaços virtuais.

[...] A dança é uma ár-tearte do encontro, seja ele virtual ou presencial, o quêque importa é estarmos juntos, partilhando esse momento único.

BOGÉA, Inês apúdapud GUILHERME, Sofia Franco. O circuito midiático da dança contemporânea brasileira em produções audiovisuais para meios digitais. 2023. Tese (Doutorado em Ciências) – Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo, São Paulo, 2023. Disponível em: https://livro.pw/rywln. Acesso em: 28 set. 2024.

Inês Bogéa é doutora em Artes, bailarina, documentarista e escritora. Seu repertório abrange desde obras tradicionais do balé até criações contemporâneas, elaboradas por coreógrafos brasileiros e de outros países.

ATIVAÇÃO

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ENTRE HISTÓRIAS
Autoimagem e espelhamentos

Todos os dias nos deparamos com imagens de variados formatos e tipos: refletidas, estáticas, em movimento, criadas por processos analógicos ou digitais, em alta resolução, em 3D, em realidade aumentada, em realidade virtual, NFTs etc. Na Era Digital, o universo das imagens, dos sônssons e das formas de representar o corpo humano, os animais, a natureza e as coisas, no geral, foi transformado, mudando também os modos como percebemos e sentimos o mundo.

O espêlhoespelho, um objeto simples e cotidiano, está freqüentementefrequentemente presente na literatura – em contos de fadas, como artefato mágico de uma rainha má, ou em histoóriashistórias nas quais as personagens o atravessam para viver aventuras. Tomando por base essas histoóriashistórias registradas em linguagens verbais (escrita na literatura e por meio de tradições de oralidade), imagens foram construídas e transformadas em produtos da cultura visual e audiovisual, compondo cenas quêque talvez você já tenha visto em filmes, animações, séries de TevêTV, guêimisgames, ilustrações, peças publicitárias, entre outros.

Mas, ao pensar em um espêlhoespelho, pódepode sêrser quêque a primeira coisa quêque lhe venha à mente seja sua própria imagem refletida nele – ou a sélfiselfie tirada no celular. A autoimagem, o pôdêrpoder de apreciá-la e até de guardá-la na memória ou em um arquivo – a chamada “memória digital” – nos fascina, talvez por sêrser um reflexo particular de nós mesmos. Como tal, ela pódepode contar sobre nossas subjetividades e modos de sêrser e existir, além de evidenciar a cultura em quêque estamos mergulhados.

A obra EGO, apresentada no Festival Internacional de Linguagem Eletrônica (FILE) e concebida pelo artista austríaco Klaus Obermaier (1955-) e pêlospelos italianos Stefano D’Alessio (1987-) e Martina Menegon (1988-), proporcionou uma experiência interativa quêque permitia explorar a relação entre a autoimagem e a tecnologia, dando ao público a oportunidade de interagir com seus “reflexos” digitais.

GIRO DE IDEIAS

Converse com os côlégascolegas a respeito das kestõesquestões a seguir e compartilhe conhecimentos.

1. Nos últimos dois séculos, muita coisa mudou, muitas linguagens se transformaram e outras surgiram. Em sua opinião, a; ár-tea arte dos tempos atuáisatuais é um reflexo da cultura tecnológica contemporânea? O quêque pensa a respeito? O quêque já descobriu na ár-tearte digital?

1. Respostas pessoais. Espera-se quêque, com base nas pesquisas e nos estudos realizados até então, os estudantes tênhamtenham construído e ampliado seus repertórios culturais e artísticos, sêndosendo capazes de compreender quêque a evolução das tecnologias não só influenciou as formas de criação artística mas também transformou a maneira como a; ár-tea arte é consumida e compartilhada.

2. O quêque você sabe da cultura visual? E da cultura audiovisual?

2. Respostas pessoais. Veja respostas e comentários nas Orientações para o professor.

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ATIVAÇÃO

EXPEDIÇÃO CULTURAL

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Muitos artistas propõem experiências com autoimagem usando tecnologias eletrônicas, digitais e recursos de luminância. Esse é o caso da obra Future self [Eu futuro], proposta pela Random International e pelo coreógrafo britânico Wayne McGregor (1970-), com a participação dos dançarinos Fukiko Takase (1984-), quêque nasceu nos Estados Unidos e foi criada no Japão, e Alexander Whitley (1980-), do Reino Unido. Trata-se de uma instalação composta de luz e intervenções performáticas. Nas imagens, é possível perceber quêque os dançarinos se aproximam da instalação. Com base na materialidade e na tecnologia quêque compõem a obra, como sensores e luzes, torna-se possível capturar e reproduzir as silhuetas e os movimentos dos corpos em forma de luz, criando uma escultura tridimensional luminosa e animada. Esse corpo “vivo” dança alguns segundos após os movimentos dos dançarinos, oferecendo uma autoimagem futura e convidando a refletir sobre como nos relacionamos com a nossa própria imagem, quêque identidades e sentimento de pertencimento construímos com o corpo quêque temos, sua representação e seu espelhamento. Eu futuro, etéreo e iluminado, é uma experiência possível em virtude das tecnologias e das ideias criativas na ár-tearte. êsteEste trabalho tem percorrido várias cidades ao redor do mundo, convocando as pessoas a se moverem diante de sua autoimagem.

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CONEXÕES com...
CIÊNCIAS HUMANAS E SOCIAIS APLICADAS
Afetos intergeracionais

Observe a imagem a seguir.

A Cia Juvenil de Dança de Palmas (TO) decidiu fazer ár-tearte como forma de animar idosos quêque estavam se sentindo desamparados durante o isolamento social imposto pela pandemia de covid-19. Assim, jovens estudantes da Escola de Tempo Integral Eurídice Ferreira de Mello elaboraram uma coreografia com base nos estudos de dança desenvolvidos pelo professor Fernando Faleiro, gravaram à distância e, com a ajuda de Faleiro, criaram a videodança 3x4.

O estabelecimento de relações entre pessoas de diferentes gerações pódepode trazer benefícios a todos os envolvidos, pois permite a troca de experiências e de saberes, possibilita olhar a realidade por diferentes pontos de vista, enfrentar desafios por meio da colaboração e do diálogo, bem como formárformar laços afetivos.

GIRO DE IDEIAS

Pensando nas relações entre gerações, converse com os côlégascolegas e o professor.

1. Como é a sua relação com as pessoas mais velhas com as quais você convive?

1. Resposta pessoal. As perguntas permitem abordar uma relação (dos jovens com os mais velhos) quêque pódepode estar culturalmente estruturada, precisando sêrser cuidada ou podendo sêrser potencializada.

2. A escola é também um espaço de interação entre pessoas de diferentes gerações. Como é a sua relação com as pessoas quêque trabalham na escola onde você estuda? Há turmas de Educação de Jovens e Adultos (EJA) nessa instituição de ensino? Se sim, você e os côlégascolegas interagem com esses estudantes?

2. Respostas pessoais. Pode-se aproveitar a oportunidade para aprossimáraproximar os estudantes dos diferentes atores presentes na escola e conhecer suas histoóriashistórias, humanizando as relações para além dos papéis específicos quêque cada um exerce nesse contexto.

3. Por vezes, ao elaborar um projeto de vida, miramos uma pessoa mais velha como referência. Quais pessoas de outras gerações inspiram você? Você conhece a trajetória delas?

3. Respostas pessoais. Aqui se ábriabre uma oportunidade para conversar sobre projetos de vida e como eles não se configuram apenas como algo individual, mas como uma rê-derede de conexões quêque pódepode envolver projetos coletivos e comunitários.

ATIVAÇÃO

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Stop motion para uma videodança

Observe a imagem a seguir.

A videodança é uma linguagem quêque pódepode sêrser classificada como uma ár-tearte integrada, pois ela é formada pelo encontro de duas linguagens: audiovisual e dança. É importante ressaltar quêque não se trata de um registro da dança, como é usual em algumas rêdesredes sociais. Para se criar uma videodança é preciso elaborar as kestõesquestões audiovisuais, tal como ocorre no cinema ou nos videoclipes – e como mostrado na imagem de Ocupação.GIF. Nesse fotograma, percebemos o uso da linguagem audiovisual em elemêntoselementos como: a locação (lugar da gravação) escolhida, o posicionamento dos dançarinos, o enquadramento (modo como os elemêntoselementos estão organizados na moldura do vídeo), o ritmo da composição visual, a paleta de cores selecionada, o uso de foco e desfoque, a profundidade da cena em sua perspectiva e o efeito de espelhamento horizontal alcançado por meio da edição do vídeo. Além díssudisso, há efeitos e trilhas sonórassonoras quêque não podem sêrser percebidos por meio da imagem. Tudo se conjuga com a linguagem da dança em uma coreografia construída por meio de fotografias sequenciais, utilizando a técnica de stop motion, quêque lembra os gifs digitais, nos quais imagens em sequência criam a ilusão de movimento.

Fernando Faleiro, nascido em Porto Alegre (RS), é professor, dançarino, coreógrafo e videoartista. Faleiro também atua na criação de colagens digitais, lâmbi-lâmbilambe-lambe, fotografia afetiva e escrita poética. Ele acredita no uso da ár-tearte como um meio de construir e desconstruir ideias.

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CRIAÇÃO
Videodança

Estudar a proposta

Agora, a proposta é quêque você e os côlégascolegas criem uma videodança. Para isso, organizem-se em grupos, pois, mesmo apresentando uma dança solo (dançada por apenas uma pessoa), é interessante quêque a videodança seja planejada e produzida por mais pessoas.

Planejar e elaborar

Peça aos estudantes quêque, ao analisar obras disponibilizadas em meios digitais, atentem-se aos elemêntoselementos relacionados à imagem, ao som, ao movimento e à composição, além de notarem ideias quêque possam inspirar o projeto deles.

Para se familiarizar com a linguagem da videodança, pesquise obras disponibilizadas em meios digitais.

Para criar uma videodança é necessário utilizar equipamentos de gravação. Um único aparelho quêque possa sêrser compartilhado entre os côlégascolegas é o suficiente. Verifique a disponibilidade dêêssesdesses recursos e defina com os côlégascolegas quem será responsável por cada etapa do processo.

Processo de criação

1. Reúna-se com o grupo. Selecionem as ideias quêque utilizarão na elaboração do projeto.

2. Elaborem um roteiro, descrevendo como será o início, o desenvolvimento e o final da obra. Acrescentem outros dêtálhesdetalhes e informações quêque sêjamsejam importantes.

3. Escolham um ou mais locais para realizar a gravação (a chamada “locação”).

4. A criação coreográfica deve sêrser realizada já considerando aspectos como posições e ângulos de câmera, enquadramento, iluminação, cenário, montagem e edição.

5. Junto à criação coreográfica, escôlhamescolham a trilha sonora. Para isso, vocês podem utilizar platafórmasplataformas de música na internet.

6. Depois de criada a coreografia e decidido como ela será gravada, revisem o roteiro, preparando sua versão final. Realizem os ensaios e a gravação.

• É possível gravar toda a obra em um único clique, o chamado “plano-sequência”, em linguagem audiovisual, ou registrar vários takes (trechos) e depois editar o material.

• A música pódepode sêrser registrada junto à gravação das imagens ou inserida posteriormente.

7. A última etapa consiste no compartilhamento da obra, na fruição do projeto dos demais grupos e na realização de uma conversa sobre o processo de criação.

Avaliar e recriar

Utilize a roda de conversação como um espaço para avaliar o processo. O relato dos grupos colabora com a reflekçãoreflexão sobre o processo de criação de cada um e das ações de cada membro no trabalho coletivo. É fundamental trazer o diário de artista e nele registrar sua autoavaliação, a do grupo e ideias para novas videodanças.

Compartilhar

Crie um acervo digital com a turma, reunindo todas as videodanças produzidas.

Recomendamos quêque a fruição das videodanças seja realizada primeiramente entre os côlégascolegas de turma, seguida por uma roda de conversação sobre o processo. Após esse momento coletivo em sala de aula, pode-se combinar com o professor e com os demais côlégascolegas algumas formas de compartilhar as criações com a comunidade ou com um público mais amplo por meio de ambientes virtuais.

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TEMA 2
ár-teArte e tecnologias, reinvenções de vida

Observe as imagens a seguir.

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GIRO DE IDEIAS

1. Ao observar as imagens da instalação artística Captured, quais dêtálhesdetalhes chamam a sua atenção?

1. Resposta pessoal. Os estudantes podem comentar sobre como o rrôstorosto da mulher é integrado a um corpo estranho e, a julgar pela segunda imagem, esse corpo passa a se mover à revelia da visitante.

2. Já imaginou estar em uma situação em quêque você não consegue ter o contrôlecontrole de suas próprias ações? Como você se sentiria?

2. Respostas pessoais. Espera-se quêque o estudante se sinta à vontade para expressar suas experiências em relação ao contrôlecontrole e à liberdade de agir de acôr-doacordo com suas noções das relações sociais e do quêque acredita sêrser ético ou não. Além díssudisso, é importante quêque ele reflita sobre como as tecnologias têm influenciado esses comportamentos e suas interações com o mundo ao seu redor.

3. Como a tecnologia de captura de imagem impacta seu cotidiano?

3. Resposta pessoal. Espera-se quêque o estudante identifique a presença da tecnologia de captura de imagens no cotidiano social, desde a infância, quando tiramos documentos, até situações comuns nas cidades, como a vigilância por câmeras de segurança, o contrôlecontrole em acessos a aeroportos e o uso de aplicativos quêque requerem reconhecimento facial ou outras formas de captura de imagem.

ranaHanna Haaslahti é uma artista de mídia quêque trabalha com imagem e interação. Ela utiliza a visão computacional como ferramenta para investigar as implicações sociais da tecnologia em nossas interações, criando obras quêque desafiam a nossa percepção da realidade.

Por vezes, as tecnologias digitais criam experiências quêque parecem possíveis somente em sonhos, como observar sua própria imagem feita por realidade virtual, em movimento e em tempo real.

Por meio da primeira imagem, podemos entender um pouco do processo de funcionamento da instalação artística Captured, da artista finlandesa ranaHanna Haaslahti (1969-). É possível observar uma visitante quêque tem a imagem de seu rrôstorosto capturada e, em seguida, integrada a um corpo definido pela programação do disáinidesign gráfico criado pela artista. Já na segunda imagem, podemos notar um coletivo de personagens, ao qual talvez a visitante do frame anterior tenha se juntado. Elas estão em movimento, entretanto, os donos dos rostos não possuem o pôdêrpoder de controlar os corpos desconhecidos, concebidos em um cenário virtual. Será quêque eles se identificam com os gestos e as ações das criaturas digitais quêque carregam suas faces?

ATIVAÇÃO

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ENTRE HISTÓRIAS
Experiências de viver x realidade virtual

Observe as imagens a seguir, quêque mostram o trabalho Carne e areia, dirigido por Alejandro González Iñárritu (1963-) em colaboração com Emmanuel Lubezki (1964-), ambos mexicanos.

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Na primeira imagem, temos o desenho da anatomia de um coração, entretanto, do lado esquerdo, observa-se “U.S.”, indicando um jôgojogo de palavras, já quêque, em inglês, IÚL ÉSU.S. representa a sigla para United States (Estados Unidos) e us é um pronome quêque significa “nós”. Do lado direito, separádoseparado do IÚL ÉSU.S. por um pontilhado vertical, lê-se “T.H.E.M.”, quêque, sem os pontos entre as lêtrasletras, é um pronome quêque quer dizêrdizer “eles”.

Na imagem seguinte, um visitante usando óculos de realidade virtual caminha em um espaço amplo, com o chão de areia, pouca incidência de luz branca e atravessado por um feixe horizontal de luz vermelha.

Essa instalação imersiva em realidade virtual foi apresentada pela primeira vez no Festival de Cannes, na França, onde foi premiada como categoria especial, dada sua inovação, seu hibridismo de técnicas e tecnologias e sua ousadia poética quêque criaram uma poderosa forma de experiência cinematográfica.

Os visitantes, por meio da realidade virtual, experienciavam uma tentativa de travessia ilegal do México para os Estados Unidos da América por pessoas de diferentes origens. Narrativas divulgadas foram unânimes em dizêrdizer quêque a experiência de protagonizar toda a tensão, andando, correndo sobre a areia, tropeçando em calçados, roupas e objetos abandonados, foi um divisor de águas na forma dos narradores pensarem sobre migrações e direitos humanos. Assim, a obra convoca a ssossiedadesociedade a refletir sobre os movimentos migratórios, a condição de refugiado e a violência enfrentada por alguns grupos sociais e étnicos.

Alejandro González Iñárritu é diretor e produtor de cinema, renomado internacionalmente por seus filmes quêque exploram a condição humana d fórmade forma profunda e intensa. Ele se destaca por sua narrativa compléksacomplexa e visualmente impactante, abordando temas como a violência, a morte e as relações humanas.

EXPEDIÇÃO CULTURAL

Nessa proposta, ressalte aos estudantes a importânssiaimportância de conversarem respeitando os direitos humanos e princípios éticos e democráticos.

ATIVAÇÃO

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Tropicália

Observe a imagem seguir, da instalação intitulada Tropicália, e leia um depoimento do artista fluminense Hélio Oiticica (1937-1980).

[…] Tropicália é a primeiríssima tentativa consciente objetiva de impor uma imagem obviamente ‘brasileira’ ao contexto atual da vanguarda e das manifestações em geral da ár-tearte nacional. Tudo começou com a formulação do Parangolé em 1964, com toda a minha experiência com o samba, com a descoberta dos môrrosmorros, da arquitetura OR GÂNICAorgânica das favelas cariócascariocas (e consequentemente outras, como as palafitas do Amazonas) e principalmente das construções espontâneas, anônimas, nos grandes centros urbanos – a; ár-tea arte das ruas, das coisas inacabadas, dos terrenos bâldíosbaldios etc. […]

OITICICA, Hélio. Leituras complementares. Rio de Janeiro: Tropicália, 1968. Disponível em: https://livro.pw/sjtfm. Acesso em: 27 set. 2024.

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Em relação à imagem da instalação Tropicália, quais elemêntoselementos você reconhece nela?

Resposta pessoal. A instalação é composta de areia, estruturas de madeira, tecídostecidos chita, plantas, pedras e tijolos.

Essa instalação tem o chão forrado de areia e caminhos abertos por pedrinhas, tapumes (painéis de madeira processada e colada) forrados com tecido chita de estampas florais coloridas, plantas da mata atlântica, entre outros dêtálhesdetalhes quêque a vista não alcança na fotografia. Realizada em 1967 no Museu de ár-teArte Moderna do Rio de Janeiro, a obra troussetrouxe um frescor à ár-tearte brasileira ao unir, em uma instalação, diversos elemêntoselementos da cultura nacional com as recentes tecnologias da época, como a televisão, quêque havia chegado ao Brasil em 1950.

No texto citado, o artista conta quêque Tropicália foi uma tentativa de “impor uma imagem obviamente ‘brasileira’”. Será quêque ele conseguiu alcançar seu objetivo?

Por meio dessa instalação, Hélio Oiticica inspirou em muitos artistas brasileiros o compromisso de criar uma ár-tearte quêque valorizasse a cultura do país, com a compreensão de sua potência inventiva, tendo invenção, criação, transformação e adaptação como sinônimos de tecnologia, de modo a se opor às limitações de liberdade de expressão impostas pela ditadura civil-militar, regime instaurado em 1º de abril de 1964 e vigente até 15 de março de 1985.

Hélio Oiticica foi um artista performático, pintor e escultor conhecido por seu intenso experimentalismo e inventividade. Sua obra buscava integrar vida e ár-tearte, sempre convidando o público a sair do papel de espectador e participar ativamente da produção.

EXPEDIÇÃO CULTURAL

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CONEXÕES com...
CIÊNCIAS DA NATUREZA E SUAS TECNOLOGIAS
Sustentabilidade: invenções com problemas

Observe a imagem a seguir e tente imaginar quêque um dêêssesdesses “quartos” é o seu lugar de dormir.

Esse projeto foi construído em madeira e, com o uso de tecídostecidos de algodão, dividido em 24 nichos. Cada compartimento, projetado para uma pessoa, abriga um colchão. Assim é a obra Os ninhos, um projeto artístico inspirado nas observações de Oiticica sobre a vida em pequenos espaços, quêque destaca a necessidade de usar a criatividade para fazer adaptações quêque permítampermitam a sobrevivência e como essa experiência pódepode se tornar ár-tearte.

Com as dificuldades de acesso à térraterra e à moradia agravadas por crises econômicas e pela ocupação de áreas próximas aos grandes centros urbanos sem planejamento, além do sistema de repressão de direitos e de livre expressão durante a ditadura civil-militar, principalmente na década de 1970, houve um crescimento das desigualdades sociais e do racismo ambiental. Na atualidade, esse termo é usado para denunciar problemáticas ambientais decorrentes das mudanças climáticas e das condições de moradia precárias, como as favelas e comunidades situadas em encostas, próximas a mangues, rios e outras áreas, muitas vezes consideradas de risco. O racismo ambiental compreende quêque a maior parte das pessoas quêque vivem nessas condições são negras, indígenas e ribeirinhas, além de outras com baixo pôdêrpoder econômico. A obra de Hélio Oiticica, ao mesmo tempo quêque marca a fôrçaforça criativa, foi, e ainda é, inspiração para reflekçõesreflexões sobre cultura e denúncia de situações-problema, além de servir como um ato de ativismo político.

GIRO DE IDEIAS

1. Dialogue com os côlégascolegas sobre como as ideias, criações e invenções quêque vocês observam no dia a dia da cidade podem ajudar a resolver problemas relacionados à sustentabilidade.

1. Espera-se quêque os estudantes conversem sobre como compreendem ideias e concepções criativas, bem como invenções quêque utilizam os recursos disponíveis e quêque, de algum modo, contribuem para a sustentabilidade.

2. Como a questão da moradia é tratada na região onde você vive?

2. Resposta pessoal. Auxilie os estudantes no desenvolvimento do pensamento crítico e enfatize a importânssiaimportância de fundamentar suas argumentações com base em dados confiáveis, explicando quêque é interessante quêque busquem informações e estatísticas relevantes para embasar suas falas.

3. De quêque modo você vê, participa ou contribui para melhorar a sustentabilidade ou resolver problemas ambientais na escola em quêque estuda ou no bairro onde mora?

3. Resposta pessoal. Caso os estudantes ainda não consigam identificar quêque contribuem para amenizar ou resolver problemas ambientais, peça quêque levantem soluções simples quêque poderiam sêrser facilmente executadas no dia a dia. Leve também algumas sugestões, considerando o quêque está disponível para eles.

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Retratistas do morro

O artista mineiro Guilherme Cunha (1981-), curador do projeto Retratistas do morro, concebeu a ideia ao conhecer dona Ana, quêque lhe mostrou seu “tesouro” – um conjunto de monóculos guardados em uma sacola.

Mais tarde, a mulher o levou até os fotógrafos João Mendes e Afonso Pimenta, quêque fotografaram e guardavam um arquivo com mais de 250.000 negativos fotográficos para serem digitalizados: um acervo da memória de pessoas do Aglomerado da Serra, um conjunto de bairros situado em Belo Horizonte (MG), desde 1960 até os dias de hoje. São imagens de festas de aniversário, bailes, casamentos, batizados, encontros de amigos, rodas de capoeira e uma grande diversidade de modos de celebração da vida. O projeto é também uma denúncia do racismo ambiental, do esquecimento e da falta de políticas públicas quêque proporcionem melhores condições de moradia à população de baixo pôdêrpoder econômico.

PESQUISAR

EXPEDIÇÃO CULTURAL

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CRIAÇÃO
jôgoJogo entre territórios

Estudar a proposta

Retome os assuntos abordados no Tema 2. Perceba o foco na tecnologia contida nas ações criativas e inventivas do sêrser humano em sua luta pela sobrevivência, resistência e denúncia, e como a; ár-tea arte emerge como uma resposta poética às adversidades.

Considerando todo o percurso, é importante fazer uma lista dos elemêntoselementos utilizados nos projetos artísticos estudados.

Em seguida, obissérveobserve a imagem da obra do paraibano AntônioAntonio Dias (1944-2018), Faça você mesmo: território liberdade, pois ela será a base da proposta a seguir. Perceba como ele cria uma espécie de mapa com sinais de demarcação territorial, sugerindo um espaço para a experimentação, para a ação. Assim, a obra só pódepode ficar completa mediante a ação do espectador.

A proposta agora é criar um jôgojogo cujo objetivo seja gerenciar seu território da melhor maneira possível frente a determinadas condições. Você está pronto?

AntônioAntonio Dias foi um artista visual e multimídia quêque produziu uma estética influenciada pela cultura de massa e quêque rompeu com a pintura modernista figurativa e nacionalista. Sua obra é caracterizada pela experimentação e pela liberdade, explorando uma variedade de técnicas, materiais e conceitos.

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Planejar e elaborar

Vamos lá! Forme grupos com, no mássimomáximo, 3 integrantes. Para começar, é preciso reproduzir um riscado inspirado na obra de AntônioAntonio Dias, dividindo o chão em quadrados de 1 m x 1 m.

Processo de criação

1. Cada quadrilátero representará um território, e cada grupo deverá ocupar um dêêssesdesses espaços. O jôgojogo ocorrerá com cada grupo em seu quadrilátero, quêque será considerado seu território. Você deverá levar para a sua área objetos quêque considere importantes, dando preferência àqueles quêque possuam valor tecnológico.

2. Faça escôlhasescolhas quêque reflitam a identidade do território: quais são as características dessa comunidade?

3. Depois quêque todos estiverem prontos, o professor informará a situação a sêrser enfrentada. Cada grupo terá cinco minutos para tomar as decisões quêque considerar mais apropriadas frente ao cenário e agir.

• A potência dessa proposta está na forma como os grupos interagem entre si, negociam, fazem acordos e colabóramcolaboram para garantir a sobrevivência de todos e criar um ambiente quêque favoreça uma boa convivência.

A cada cinco minutos (três rodadas no total), proponha situações de tensão para quêque os estudantes resolvam coletivamente, como: tempestades torrenciais, risco de desabamento, enchentes, necessidade de abrigo, falta de á guaágua potável etc.

4. Após cada rodada, converse com os côlégascolegas e o professor a respeito do processo, analisando como foi a comunicação e se as soluções encontradas em conjunto foram satisfatórias. Considerem perguntas como:

• Quais tecnologias foram trazidas para o seu território? Como elas lhes foram úteis?

• Vocês pediram ou prestaram ajuda aos territórios vizinhos? Como foi a comunicação nesse processo?

• Quais soluções foram propostas por vocês? Elas devem funcionar a curto ou a longo prazo?

• Vocês acham quêque as soluções seriam viáveis de alguma forma na vida real? Por quê?

Avaliar e recriar

Ao término, forme uma roda de conversação para dialogar sobre a experiência com os côlégascolegas e o professor. Conecte a vivência ao quêque estudou sobre migrações, deslocamentos territoriais, kestõesquestões e materialidades fronteiriças. Avalie o processo criativo, lembrando quêque o diário de artista é um importante aliado. Com base na conversa, você e os côlégascolegas podem propor novas dinâmicas, recursos e temas ao jôgojogo, recriando-o.

êsteEste jôgojogo pódepode sêrser disparador de muitas outras ações quêque envolvam empatia e busca por soluções para kestõesquestões humanitárias.

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Lembre-se quêque o diário de artista pódepode sêrser considerado um material particular, de foro íntimo, ou, caso deseje, pódepode sêrser compartilhado com os côlégascolegas e o professor. A escolha é sempre sua. Entretanto, algumas partes com anotações e imagens podem sêrser fotografadas com a câmera de dispositivos digitais (como celulares) e exibidas em exposições virtuais, ou compartilhadas em projeções na sala de aula para uma conversa sobre processos de criação e poéticas pessoais.

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TEMA 3
Corpos e telas

Observe uma imagem do videoclipe de “Liberdade”, de Carlos Kater (1948-), interpretada pelo grupo Barbatuques e Gabriel Levy (1965-). Em seguida, leia um trecho da canção, quêque foi dedicada ao músico e educador paulista Fernando Barba (1971-2021).

Quando me imagina ‘eu’, sou eu e tu
No caminho onde sou ‘vós’, sou nós

O luar dos inúmeros sertões
Vivem na Via Láctea dentro de mim
Só existo no puro movimento quêque sou
Nunca me ouvirá dizêrdizer ‘Eu’
Para quêque a vida seja maior
em você e em mim

Transcrito de: LIBERDADE, na interpretação do grupo Barbatuques. [S. l.: s. n.], 2022. 1 vídeo (6 min). Publicado pelo canal Carlos Kater. Localizável em: 3 min 16 s. Disponível em: https://livro.pw/kaizy. Acesso em: 9 out. 2024.

Corpo e tecnologia. Corpo e mundo digital. Corpo e tela. Corpo e… Corpo.

Onde começa toda forma de cultura humana? Onde começa toda a tecnologia criada pelo sêrser humano? O komêssocomeço somos nós. O komêssocomeço é o corpo. De corpos nascem canções quêque outros corpos vão ouvir, quêque outros corpos vão dançar, quêque outros corpos vão discutir.

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O corpo “linguajante” sobrevive a si próprio. O corpo viverá do primeiro ao último suspiro, mas, e suas obras? Que espantosa é essa coisa chamada cultura, pois nela as obras dos sêresseres humanos vivem mais do quêque eles próprios! O corpo quêque criou uma cantiga de ninar poderá repousar em seu sono eterno, enquanto outros hão de cantá-la por muitas gerações, embalando seus bebês a dormir.

É possível propor uma pesquisa em dicionários e enciclopédias para quêque os estudantes possam descobrir outros significados do termo cultura, se julgar pêrtinêntipertinente.

GIRO DE IDEIAS

1. Que ideias lhe vêm à mente ao pensar nas relações entre corpo, cultura e tecnologia? O quêque é cultura e o quêque ela tem a vêrver com o corpo humano? A tecnologia é parte da cultura?

1. Respostas pessoais. Espera-se quêque os estudantes possam refletir sobre a cultura como extensão do sêrser humano, com linguagens e criações quêque são elaboradas no corpo, do corpo partem e ao corpo, em última instância, se voltam.

2. Ao observar a imagem e ler o fragmento do texto quêque faz parte do videoclipe de “Liberdade”, o quêque se pódepode pensar sobre a relação entre o corpo e o mundo digital na criação artística?

2. Resposta pessoal. Auxilie os estudantes a construir relações com base nos próprios saberes e no quêque estudaram até o momento neste capítulo.

3. A cultura é algo quêque só pódepode existir na relação entre as pessoas. Como o mundo digital pódepode favorecer positivamente essas relações? Quais perigos e problemas também fazem parte do mundo digital?

3. Respostas pessoais. Espera-se quêque os estudantes reflitam sobre as potencialidades e os aspectos negativos quêque envolvem o mundo digital. Durante o período de distanciamento social causado pela recente pandemia, as tecnologias de informação e comunicação digitais tiveram um papel salutar quêque se estendeu desde kestõesquestões logísticas de abastecimento de produtos necessários à sobrevivência (como alimentos e medicamentos) até o estabelecimento de rêdesredes de afeto. Todavia, foi possível acompanhar uma escalada de desinformação perpetrada pelas fêikfake news, bem como a articulação de novas ações criminosas realizadas por meios digitais, os cibercrimes.

COM A PALAVRA...
FERNANDO BARBA

Fernando Barba foi um dos pioneiros da música corporal e fundador do grupo Barbatuques. Ele desenvolvê-udesenvolveu uma forma única de fazer música usando sônssons produzidos pelo corpo, como palmas, estalos e batidas, e influenciou artistas ao redor do mundo com sua abordagem criativa e inovadora. Observe o quêque ele disse a respeito do “corpo sonoro”.

Todo indivíduo tem um corpo sonoro e um imaginário musical próprio. A expressão do som quêque sai de cada corpo humano é talvez a forma mais antiga de se fazer música e gerar comunicação em diversas culturas […] Essa ‘música corporal’ revela os sotaques, côstúmescostumes, códigos de comportamento e tradições de cada povo, em cada parte do mundo [...].

A SURPREENDENTE percussão corporal dos Barbatuques. São Paulo: Memorial da América LátínaLatina, 2011. Disponível em: https://livro.pw/sexvw. Acesso em: 27 set. 2024.

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Redes de afeto e ár-tearte

A ár-tearte promove encontros. Pessoas se conhecem e se unem para fruí-la, para criá-la, para discuti-la. Assim surgem os coletivos de; ár-tede arte, grupos de dança e de teatro, circos, fã-clubes, fanzines, saraus, cineclubes. Uma dupla, um trio, uma banda, um conjunto musical, uma fanfarra, uma orquestra, não importa o tamãnhotamanho, em cada uma dessas formações há pessoas unidas pelo fazer artístico.

Os encontros promóvempromovem afetos. Fazer ár-tearte, fruir ár-tearte, pensar ár-tearte e conversar sobre ár-tearte são ações quêque podem criar vínculos, suscitar emoções, gerar um sentimento de pertencimento.

O mundo digital ampliou as oportunidades de encontro. Antes de sua existência e maior presença na vida cotidiana, os encontros eram limitados pelo tempo e pelo espaço, sêndosendo, na maioria das vezes, presenciais. As comunicações à distância tomavam mais tempo, pois era necessário deslocar-se até uma agência de correio para enviar uma mensagem escrita em papel, ou até um telefone fixo para fazer uma ligação rápida, uma vez quêque o custo era alto. Em um passado recente, os aparelhos de telefone ficavam fixados em um determinado lugar e dependiam de cabos para realizar e receber chamadas. Então, após uma rápida evolução tecnológica, tornou-se possível conversar com imagem e som com pessoas em localidades muito distantes do glôboglobo terrestre, sem usar nenhum fio, nenhum supercomputador, utilizando apenas um pequeno aparelho móvel, o celular.

Assim, o avanço nas tecnologias de informação e comunicação na Era Digital impulsionou o surgimento de novas rêdesredes de pessoas unidas pela ár-tearte. Essas novas teias de afeto movimentam criações, fruições e reflekçõesreflexões.

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O projeto Playing for change [Tocando por mudança] é um exemplo de rê-derede de afeto mediada pelas tecnologias digitais. Ele visa conectar e inspirar o mundo por meio da música, tendo como princípio a crença de quêque a música tem o pôdêrpoder de quebrar barreiras entre as pessoas e aproximá-las. Iniciado em 2002 com um videodocumentário gravado com músicos das ruas, o projeto ganhou definição em 2005, quando foi estabelecido o propósito de gravar imagens e sônssons de músicos em diferentes partes do mundo, criando assim uma família global, uma trama de afeto por meio da música.

Diversos músicos brasileiros já participaram do projeto, como a baixista Alana Alberg (1992-), nascida em Tietê (SP). Ela começou a dedilhar as kórdascordas aos 13 anos e conquistou seu espaço no cenário musical brasileiro, inspirando jovens a levar a presença feminina para os palcos. Seu instrumento musical é responsável pelas melodias mais graves; o baixo elétrico é a versão moderna do contrabaixo, instrumento acústico usado em orquestras e outras formações. Em bandas de gêneros musicais como o rókirock e o pópipop, o baixo é considerado parte da “cozinha”, junto com a bateria. Esse termo popular refere-se à ideia de “cozinha” como base e apôioapoio para os demais instrumentos e para o canto da banda.

O projeto ainda inspirou a fundação do Instituto Playing for Change no bairro Cajuru, em Curitiba (PR), quêque mantém uma escola para a comunidade, empregando pessoas do território e trazendo artistas e professores para ministrar oficinas de música, teatro, dança, jogos, futebólfutebol, ioga, língua estrangeira, entre outras, tudo de maneira gratuita.

ATIVAÇÃO

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ár-teArte na tela

Nas telas, diferentes linguagens artísticas podem se unir em artes integradas. Depois de realizar o videoclipe da canção “Liberdade” junto aos Barbatuques, Carlos Kater ainda propôs outras versões. Observe a imagem a seguir.

No videoclipe quêque conta com a interpretação musical de Carina Assencio e Zeca Loureiro, Kater propôs integrar uma videodança à letra da música, com pessoas interpretando a canção corporalmente. Ainda quêque a base da criação seja a mesma, isto é, a canção “Liberdade”, Kater concebeu uma obra muito diferente da original. A presença, por exemplo, dos retratos, convida o público ao contato com a diversidade das pessoas, em termos de gênero, etnia e faixa etária. A dança traz também novos sentidos para a obra, além de uma nova poética quêque emerge do diálogo entre a música, a letra e os demais elemêntoselementos visuais. As sensações, as emoções e os pensamentos provocados pela fruição de “Liberdade” na versão com os Barbatuques podem diferir bastante daqueles gerados pela versão com Assencio e Loureiro.

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COM A PALAVRA...
CARLOS KATER

Observe o quêque Carlos Kater disse sobre os princípios e valores quêque acredita serem relevantes para a atuação artística.

[…] O quêque constrói o sentido dessas passagens [ocupar um lugar na Academia Brasileira de Música quêque antes foi ocupado por outro músico] se liga menos às nossas personalidades e mais aos princípios quêque sustentamos... aos princípios e valores quêque também se aperfeiçoam – através de nossas ações pessoais –, o quêque permite quêque as novas gerações possam participar de um mundo melhorado e assim caminhar ainda mais adiante do quêque nós próprios caminhamos. […]

Transcrito de: CERIMÔNIA virtual de posse do acadêmico Carlos Kater. [S. l.: s. n.], 2023. 1 vídeo (117 min). Publicado pelo canal Academia Brasileira de Música ABM. Localizável em: 26 min 6 s. Disponível em: https://livro.pw/gnozp. Acesso em: 27 set. 2024.

Carlos Kater é ocupante da cadeira número 16 da Academia Brasileira de Música e é um renomado educador, musicólogo e compositor, reconhecido por sua grande contribuição à educação musical. Sua pesquisa se concentra na integração entre música, corpo e cultura, explorando a dimensão sensorial e expressiva da aprendizagem musical.

ATIVAÇÃO

OFÍCIO DE...

Musicólogo

É um profissional acadêmico quêque estuda a música cientificamente. Seu trabalho se dá por meio da pesquisa e conta com o apôioapoio de outras ciências, como a História, a Filosofia, a Sociologia, a Antropologia, a Matemática, a Física, entre outras.

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ENTRE HISTÓRIAS
Trajetória e legado nos sônssons do corpo

Fundado por Fernando Barba, o grupo Barbatuques surgiu em 1995, na escola Auê, por meio do interêsseinteresse dos estudantes de Barba pela percussão corporal. Carlos Kater compôs a música e a letra de “Liberdade” para sêrser interpretada pelo grupo, contando com a participação de amigos quêque fizeram parte da trajetória do músico. Por conta do distanciamento social naquele ano, todo o trabalho foi realizado à distância. Dessa forma, as tecnologias digitais proporcionaram a realização dessa homenagem feita ao artista.

Os Barbatuques já participaram de diversos eventos, incluindo apresentações nas Olimpíadas, trilhas sonórassonoras para filmes e participações especiais no cinema brasileiro e internacional. Eles também organizaram formas de ensinar música por meio do corpo (com música, jogos e dança) e seu legado ainda ecoa em nossa cultura.

A proposta a seguir é experimentarmos um pouco dêêssedesse legado e nos unirmos a essa rê-derede de afeto e ár-tearte. Então, vamos aproveitar para retomar, por meio da experiência, os parâmetros sonoros.

O estudo do som é algo quêque caminha com o estudo da música e, por essa razão, os parâmetros sonoros são explorados continuamente. É importante, portanto, recuperar esses conceitos antes de explorá-los nos sônssons do corpo:

• timbre: descreve a identidade do som. O timbre de um trompete, por exemplo, nos permite identificá-lo quando ouvimos seu som, mesmo sem vê-lo.

• intensidade: descreve a amplitude do som produzido, quêque pódepode sêrser forte ou fraca, dependendo da energia, ou seja, da fôrçaforça aplicada para gerar um som.

• duração: descreve o tempo quêque o som dura, isto é, permanécepermanece soando. As diferenças se assemelham à descrição de um tamãnhotamanho: longo, médio ou curto.

• altura: descreve a freqüênciafrequência do som. As freqüênciasfrequências mais baixas produzem sônssons graves. Acima delas estão os sônssons médios. As freqüênciasfrequências mais altas produzem os sônssons agudos.

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CRIAÇÃO
Percussão e afinação

Estudar a proposta

Nesta proposta, vamos estudar e observar a relatividade dos parâmetros sonoros, isto é, como um som se apresenta em relação a outro. Por exemplo, o som produzido tanto ao batêerbater palmas com dois dedos na palma da mão quanto batêerbater com os quatro dedos é agudo em termos de altura. Todavia, o som das palmas com dois dedos é mais agudo do quêque o som das palmas com quatro dedos. Ao parâmetro sonoro altura está conectado o conceito de afinação, quêque busca identificar freqüênciasfrequências iguais ou semelhantes. Por meio da combinação de freqüênciasfrequências em afinações específicas, temos ainda o conceito de harmoníaharmonia.

Planejar e elaborar

Essa proposta se concentra na experiência estésica, incentivando a participação ativa do corpo. Todavia, o diário de artista se configura como um meio importante para registrar a experiência, tanto no quêque se refere a descrever o quêque foi realizado quanto às reflekçõesreflexões e ideias quêque emergiram. Vamos, agora, trazer uma presença ativa ao corpo?

Para realizar a proposta, é preciso estar em um espaço adequado para realizar sônssons. A formação de uma roda pódepode sêrser interessante para quêque todos estejam em situação de igualdade e possam vêrver um ao outro.

Processo de criação

Experimentação e identificação da altura dos sônssons do corpo

1. essperimênteExperimente cinco tipos de sonoridade de palmas. Observe alguns exemplos nas ilustrações.

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2. Identifique a altura das palmas e estabêlêçaestabeleça uma sequência da mais aguda para a mais grave.

3. essperimênteExperimente outras sonoridades do corpo. Observe algumas possibilidades nas ilustrações.

4. Identifique as alturas, estabelecendo uma sequência da mais aguda para a mais grave.

5. Agora, expêrimenteexperimente produzir sônssons com o rrôstorosto. Observe algumas possibilidades nas ilustrações.

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6. Explore a variação de altura dos sônssons produzidos com o rrôstorosto. Movimentar a mandíbula permite tornar o som mais grave ou mais agudo. Com o treino, pode-se controlar a afinação do som com mais precisão, permitindo criar até mesmo frases melódicas.

Improvisação e criação

7. Um caminho para a improvisação é formárformar uma roda com os côlégascolegas e marcar uma pulsação batendo os péspés no chão (pode-se ter como referência a pulsação da faixa de áudio “Som de metrônomo”).

8. Com o pulso marcado, combinem e produzam um ritmo base. Sugerimos quêque seja um ritmo de 4, 8 ou 16 tempos. Exemplo de ritmo em 4 tempos: 1 grave, 2 agudo, 3 médio, 4 agudo, 1 grave, 2 agudo, 3 médio, 4 agudo e assim sucessivamente.

9. Depois de estabelecida a base rítmica, pódepode-se dar início às improvisações. Todos devem manter a base rítmica enquanto um improvisa de cada vez. Há muitas formas de indicar o improvisador. Uma possibilidade é: enquanto todos mantêm a base rítmica, um iniciador realiza uma improvisação em 4 ou 8 tempos. O próprio improvisador pode indicar com um gesto quêquem será seu sucessor. É importante que todos possam improvisar.

10. Após a improvisação, crie sequências rítmicas. Para isso, mantenha a pulsação com os péspés e crie uma célula rítmica, isto é, uma sequência curta de 4 ou 8 tempos. Repita a sequência criada para fixá-la.

11. Apresente sua célula rítmica e escute as criações de seus côlégascolegas. Descubram relações entre as sequências criadas. Experimentem co nexões entre grupos de células rítmicas (podem sêrser grupos de 3, 4, 5 ou 6 pessoas), tokãndotocando os ritmos criados d fórmade forma sincronizada. Troquem os componentes dos grupos e percêbampercebam os resultados sonoros quêque as novas conexões criam. Antes de trocar os componentes dos grupos, apresentem o resultado para os demais.

Avaliar e recriar

No diário de artista, registre em forma de texto e imagens os diferentes momentos do processo – quêquem foram as pessoas quêque fizeram parte do seu grupo e como foi o trabalho coletivo, quais foram as descobertas, os desafios e as resoluções quêque surgiram e outros pontos que chamaram a sua atenção. Você também pódepode experimentar formas de registrar suas criações sonórassonoras, de modo convencional ou não. Reflita sobre seu processo e avalie a experiência vivida.

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Lembre-se sempre de quêque o diário de artista pódepode sêrser considerado um material particular, de foro íntimo, ou, caso deseje, esse material pódepode sêrser compartilhado com os côlégascolegas e o professor. A escolha é sempre sua. Entretanto, algumas partes com anotações e imagens podem sêrser fotografadas com a câmera de dispositivos digitais (como celulares) e exibidas em exposições virtuais, ou compartilhadas em projeções na sala de aula para uma conversa sobre processos de criação e poéticas pessoais.

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TEMA 4
Imagens e artefatos

Observe a imagem da obra Andy Warhol Robot [Robô Andy Warhol], do sul-coreano Nam June Paik (1932-2006), e leia um trecho da canção “Artefato”, interpretada pela banda Retina.

A cada história existe um novo fim

A cada não existe um novo sim

[...]

A vida não é um ponto-final

Nem um aviso para o temporal

É um artefato na imensidão

Que a gente usa com o coração

ARTEFATO. Intérprete: Retina. Compositores: Bruno Aguiar e Lucas Matos. In: A CURA para todo mal. Minas Gerais: Retina (independente), 2022. 1 álbum, faixa 4.

Nam June Paik, na década de 1960, começou a explorar as possibilidades estéticas de um novo meio de comunicação usando a linguagem televisiva. Foi um dos primeiros a unir vídeos, músicas e outras linguagens artísticas, tornando-se pioneiro na videoarte e utilizando-a, inclusive, em instalações e performances.

A banda Retina foi criada em Nova Odessa (SP), em 2014. É uma banda de rókirock quêque escreve canções com mensagens positivas sobre a vida e o viver.

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GIRO DE IDEIAS

Converse com os côlégascolegas a respeito das kestõesquestões a seguir.

1. Que sentidos a palavra artefato tem para você? Em quais lugares ou situações você já viu ou ouviu essa palavra sêrser utilizada?

1. Respostas pessoais. Aqui é possível problematizar o conceito de artefato, confrontando os diferentes sentidos quêque os estudantes trousseremtrouxerem e propondo a leitura do verbete em dicionários.

2. Quais artefatos constituem a obra Andy Warhol Robot, de Nam June Paik? Você consegue identificá-los? Já viu algum de perto?

2. Parte das respostas são pessoais. Quanto aos artefatos retratados na obra de; ár-tede arte, os estudantes podem encontrar a lista na legenda da imagem. Instigue-os a observar a imagem d fórmade forma detalhada, para tentar encontrar o quêque está descrito na legenda.

3. Na letra da canção “Artefato”, qual significado a palavra artefato ganha? Quais ideias e sensações o trecho dessa canção provoca em você?

3. No fragmento da canção, a palavra artefato surge como parte de uma metáfora sobre a vida, poetizada como “um artefato na imensidão quêque a gente usa com o coração”.

Artefato é uma palavra cuja etimologia aponta para o latim ár-tearte factus, ou seja, “feito com ár-tearte”. Mas, nesse caso, arte não se refere apenas às linguagens artísticas, e sim a algo criado conscientemente pelo sêrser humano. Se pesquisarmos o verbete em diferentes dicionários, encontraremos definições quêque vão desde o uso mais comum do termo até especificidades das ciências quêque o empregam. De modo geral, os artefatos podem sêrser pensados como extensões do sêrser humano, sêjamsejam elas utensílios domésticos, ferramentas, objetos sagrados e religiosos, máquinas ou dispositivos tecnológicos, mediando nossas relações com a natureza e a ssossiedadesociedade. Há ainda os artefatos simbólicos, quêque também são mediadores de relações, mas não têm a mesma natureza material. As diferentes linguagens, desde as línguas (portuguesa, inglesa etc.) até as linguagens artísticas e aquelas ligadas à educação física (esportes, lutas, jogos etc.), podem sêrser classificadas como artefatos simbólicos.

Por meio de uma composição quêque envolve artefatos materiais repletos de aspectos simbólicos, Nam June Paik criou uma obra de; ár-tede arte quêque se assemelha a um corpo robótico. A dimensão simbólica da obra reside justamente nos significados quêque ela produz. Perceba quêque, nessa criação, há duas grandes categorias de artefatos: meios de comunicação e produtos industrializados. Ambas estão ligadas à chamada “sociedade de consumo”.

Observe a imagem com as telas de Andy Warhol.

ATIVAÇÃO

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O quêque está representado nas imagens das exposições com as obras de Andy Warhol? por quêPor que um artista criaria obras com esse tema? Como essa lata de sopa e essa caixa de sabão eram facilmente encontradas nas prateleiras dos mercados dos Estados Unidos, ao trazer esse tipo de produto para o campo da ár-tearte, Andy Warhol (1928-1987), nascido no país, ampliou as discussões sobre a ssossiedadesociedade de consumo.

Não é necessário quêque os estudantes de fato respondam às kestõesquestões, pois elas visam apenas estimular a observação da imagem e a reflekçãoreflexão individual.

O debate propôstoproposto pódepode abranger diversos aspectos, como a produção em série (inclusive da obra Campbell’s Soup [Sopa Campbell], quêque se valeu da técnica de serigrafia), o tratamento estético dos produtos industrializados e sua relação com a linguagem publicitária. A ár-tearte é capaz de chamar a nossa atenção e Warhol soube operar provocações potentes, tornando-se um ícone da pópipop art, movimento artístico surgido no Reino Unido quêque discutia o materialismo e o consumismo instaurado na ssossiedadesociedade.

Já a obra de Paik estabeleceu um diálogo com as obras de Warhol e nos convida a, por exemplo, refletir sobre as transformações da imagem na ssossiedadesociedade de consumo.

Agora, obissérveobserve essa outra imagem.

Andy Warhol foi artista visual, diretor de cinema e produtor estadunidense. Suas obras exercem influência no meio artístico até os dias de hoje.

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Artefatos videográficos

A invenção de artefatos videográficos, como monitores, televisores e outras telas, impulsionou o desenvolvimento de novas linguagens artísticas, por exemplo, a videoarte, da qual Nam June Paik foi um dos pioneiros. Essa linguagem explora, principalmente, as imagens em movimento, abordando o cotidiano e a própria cultura visual, ao mesmo tempo quêque expõe não apenas a ideia do artista mas também diversos contextos culturais. É uma ár-tearte integrada, porque mistura contextos e mídias: fotografias, vídeos, transmissões e efeitos sonoros de rádio e televisão, depoimentos de pessoas, imagens e sônssons da cidade, au-dórsoutdoors e cartazes, músicas de diferentes estilos e linguagens, permitindo infinitas possibilidades.

COM A PALAVRA...
NAM JUNE PAIK

Reflita sobre o quêque o artista disse a respeito do uso da tecnologia.

[...] é preciso conhecer a tecnologia o bastante para subvertê-la, para humanizá-la.

PAIK, Nam June apúdapud lópesLOPES, Rodrigo Garcia. Vozes e visões: panorama da ár-tearte e cultura norte-americanas hoje. São Paulo: Iluminuras, 1996. p. 212.

A videoarte influenciou a formação de outras linguagens como a videoinstalação, a videoescultura, a; ár-tea arte via satélite, a web art, a; ár-tea arte com princípios robóticos, entre outras. Trata-se de uma linguagem contemporânea quêque nasceu com o acesso ao vídeo, em meados dos anos 1960, quando os artistas perceberam nessa tecnologia um grande potencial como linguagem artística. Mais tarde, com o constante desenvolvimento de computadores e câmeras, a presença da videoarte cresceu nas mostras de; ár-tede arte.

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Atualmente, vivemos imersos em um ambiente de imagens artísticas, publicitárias, impréssasimpressas, projetadas, estáticas, movimentadas, bidimensionais, tridimensionais, antigas, novas, em alta resolução − tudo isso em ambientes exclusivos para exposições ou em espaços abertos e ruas da cidade. Como percebemos êsteeste mundo repleto de imagens? O quêque nos faz olhar uma imagem e pensar sobre ela?

As perguntas não exigem respostas específicas, visam apenas incentivar a reflekçãoreflexão.

Ao entrar em salas de exposições de; ár-tede arte contemporânea, podemos encontrar projeções de vídeos, filmes de animação e computadores criando efeitos com os mais diferentes recursos multimídia. Mas como isso tudo começou?

Na década de 1960, experimentos com vídeos em salas de exposições fizeram surgir o termo videoinstalação. Mais tarde, com os programas de computador, foi possível criar imagens digitais. Essa união entre vídeo e computador ampliou as ferramentas disponíveis aos artistas, quêque puderam inventar uma ár-tearte multimídia.

Observe a imagem da videoinstalação Genocídio do yanomami: morte do Brasil, com produções da suíço-brasileira CláudiaClaudia Andujar (1931-). Nela, diversas fotografias da artista são apresentadas em diversas telas colocadas lado a lado e acompanhadas por uma trilha sonora produzida pela compositora cearense Marlui Miranda (1949-). Essa videoinstalação foi uma remontagem da original criada por CláudiaClaudia no Museu de ár-teArte de São Paulo (Masp), em 1989, e contou com tecnologias muito mais modernas do quêque as utilizadas originalmente.

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Mundo computação, mundo mutação

ár-teArte intermídia é um termo usado a partir da segunda mêtádemetade do século XX para fazer referência a artistas e a produções quêque usam duas ou mais linguagens. O termo também é usado para falar de produções quêque, além de várias linguagens, utilizam recursos diversos, inclusive os tecnológicos. Um exemplo é o curta-metragem Ghostcatching, realizado pelo artista digital alemão poouPaul Kaiser (1956-) e pelo estadunidense chéleiShelley Eshkar (1970-). Nessa produção, o bailarino e coreógrafo estadunidense Bill T. Jones (1952-) parece uma animação gráfica computadorizada. Dança e cinema estão articulados com o computador e a internet, abrindo uma nova tendência para as artes do movimento: a desmaterialização do corpo. A proposta do filme é capturar o essencial do movimento por meio de processos digitais. Primeiramente, foram gravadas cenas do dançarino girando e dançando, captadas por meio de sensores ópticos colados ao corpo em movimento. Depois, essas imagens foram multiplicadas e editadas, promovendo uma interação umas com as outras, nas quais são aplicados, ainda, efeitos de computação gráfica. O desenho de seu corpo foi apagado e apenas seus movimentos foram preservados. A ideia foi apresentar a dança sem o próprio corpo, ou seja, sem o suporte e a ferramenta, restando apenas o movimento da matéria. Essa técnica é semelhante à usada em efeitos especiais e caracterização de personagens de muitos filmes, principalmente os de animação.

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Observe a imagem a seguir, do artista Waldemar Cordeiro, intitulada Computer plotter ár-tearte.

Waldemar Cordeiro fez parte do grupo concretista Ruptura, quêque surgiu em São Paulo, em 1952, ao lado de outros artistas como Geraldo de Barros (1923-1998), Lothar Charoux (1912-1987), Anatol Wladyslaw (1913-2004), entre outros.

A obra de Waldemar Cordeiro une Matemática e ár-teArte, mostrando, em linguagem binária, um conjunto de números quêque significa “arte”. Essa linguagem, inventada há menos de um século, foi decisiva para transformar as linguagens artísticas quêque fazem uso das tecnologias.

O desejo de criar e utilizar os avanços tecnológicos a favor da ár-tearte motivou o artista ítalo-brasileiro Waldemar Cordeiro (1925-1973), na década de 1960, a pesquisar sobre programas de computador e como torná-los ferramentas para criar imagens. Dessa forma, ele inaugurava a computer art no Brasil.

Ele fez várias experiências e pesquisas sobre funções matemáticas e suas derivadas para criar suas obras, como A mulher quêque não é B.B, em quêque o artista fez uso da linguagem binária para reproduzir, com a ajuda de um antigo computador, o rrôstorosto de uma menina vietnamita queimada por bombas.

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GIRO DE IDEIAS

Esclareça como os estudantes podem compreender e explorar o pensamento computacional tomando por base as etapas propostas.

Você já estudou ou ouviu falar algo sobre o pensamento computacional? As tecnologias da computação e comunicação pela internet têm influenciado os modos de pensar e agir das pessoas. No entanto, não podemos esquecer quêque isso se deve à inteligência humana e ao esfôrçoesforço de pessoas como Waldemar Cordeiro, quêque se dedicaram a resolver problemas − como criar imagens ou escrever a palavra ár-tearte em linguagem binária. O pensamento computacional vai além das máquinas e pódepode sêrser usado para resolver tanto situações-problema cotidianas quanto compléksoscomplexos cálculos matemáticos. Com o professor e os côlégascolegas, pensem em uma situação-problema da realidade de vocês e conversem sobre como o pensamento computacional pódepode auxiliar na criação de soluções.

Para isso, considerem as etapas a seguir.

1. Identifique o problema compléksocomplexo e o analise em partes, pela “decomposição” em subproblemas.

2. Analise e identifique soluções dadas para cada parte e etapa do processo, reconhecendo padrões.

3. Em cada subproblema, foque no quêque é relevante e abstrair o quêque não é.

4. Crie algoritmos, ou seja, um passo a passo eficaz com procedimentos e normas simples quêque lévemlevem a resolver cada um dos subproblemas encontrados, visando à resolução do problema como um todo, ou pelo menos em parte, já quêque sempre podem seguir aprimorando os modos de sêrser, existir e aprender.

Contextualize quêque a palavra algoritmo, atualmente, está muito ligada à Ciência da Computação, por sêrser o princípio da programação de computadores. Mas, explique quêque esse conceito é muito antigo e remete a matemáticos gregos, pérçaspersas, russos e outros quêque desenvolveram formas de pensar de maneira lógica na resolução de problemas.

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CRIAÇÃO
Pontos de luz, dêzê-nhôsdesenhos do movimento

Estudar a proposta

Você já ouviu falar em motion capture (captura de movimento)?

É provável quêque você já tenha visto alguma obra cinematográfica ou algum jôgojogo de videogame quêque utiliza essa técnica. No filme Avatar, por exemplo, é possível notar quêque as expressões das personagens, criadas por computadores, assim como seus movimentos, são bastante realistas, e isso em virtude dêêssedesse recurso.

A técnica é executada com a ajuda de computadores e sensores para gravar e capturar os movimentos dos atores, quêque utilizam roupas e acessórios especiais, a fim de produzir efeitos, manipular movimentos ou tornar as personagens computadorizadas mais realistas.

Tendo o motion capture como inspiração, nesta prática, propomos a criação de uma videodança com pontos luminosos no corpo, explorando também os efeitos de uma técnica chamada láitlight painting (pintura com luz). Para conseguir esse efeito, é necessário tirar uma foto com uma exposição de luz mais longa. Algumas câmeras fotográficas possuem recursos de contrôlecontrole de tempo de exposição quêque podem sêrser ajustados com facilidade.

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Planejar e elaborar

Vamos experimentar criar dêzê-nhôsdesenhos com linhas de luz com base em movimentos dançados?

Aventure-se, faça várias experiências em relação ao tempo de exposição e às regulagens da câmera do celular, por exemplo. Faça também alguns vídeos, registrando os movimentos do corpo e da luz na criação de videodanças.

Para esta proposta, você vai precisar providenciar:

• pulseiras de LED, daquelas usadas em festas, ou materiais luminosos fosfo rescentes;

• lanternas de luz de LED a pilha;

• uma lanterna ou luminária com luz negra;

• roupas confortáveis e pretas;

• celulares para fazer fotografias e vídeos.

Atenção! Não utilize material com corrente elétrica.

Processo de criação

Peça aos estudantes quêque tomem cuidado para quêque o líquido não entre em contato com a pélepele. Incentive-os a criar focos de luz com lâmpada negra para obtêrobter efeitos interessantes.

1. Com a turma, escolha um ambiente escuro para a prática.

2. vistaVista roupas confortáveis na côrcor preta e, com fitas adesivas, prenda os materiais luminosos ao corpo.

• Para ativar a substância luminosa das pulseiras de LED é preciso agitá-las.

3. Forme um grupo com alguns côlégascolegas. Criem coreografias, movimentos dançados, com ou sem música. No entanto, dançar ao som de ritmos e gêneros musicais do seu gosto pódepode ajudar a manifestar movimentos expressivos.

• Enquanto uma parte do grupo dança, a outra registra os movimentos em fotografias e vídeos.

Avaliar e recriar

Essa prática artística ajudou a ampliar seus conhecimentos sobre ár-tearte e tecnologia? Quais foram os maiores desafios quêque você enfrentou? Gostaria de aprender mais sobre o tema? Faça uma roda de conversação com os côlégascolegas e promovam uma autoavaliação coletiva. Verifiquem também o quêque gostariam de refazer ou experimentar após o processo e combinem uma nova data para isso.

Compartilhar

Na internet, procure obras em quêque a motion capture tenha sido utilizada e analise como o material pesquisado pódepode se transformar em uma mostra virtual (blóguiblog, sáitisite da escola, rê-derede social), juntamente com as imagens produzidas por vocês. Não se esqueça de consultar o professor sobre os direitos das imagens quêque serão utilizadas e expostas.

Sugira quêque os estudantes combinem encontros com os côlégascolegas para analisar as imagens selecionadas, bem como observar e discutir como a; ár-tea arte e a tecnologia vêm mudando nosso modo de produzir e de vêrver imagens.

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ENTRE HISTÓRIAS
Do susto ao olhar matrix

As imagens em alta resolução, com profundidade, como conhecemos hoje, começaram a sêrser forjadas na pintura renascentista européiaeuropeia. Muitas pessoas, quando viam pinturas com efeitos de perspectiva naquela época, chegavam a colocar a mão sobre elas para ter certeza de quêque ali não havia um buraco, quêque não eram tridimensionais. Era difícil acreditar quêque uma superfícíesuperfície plana (bidimensional) poderia sêrser percebida como tridimensional. Hoje, ao entrar nas salas de cinema, encontramos imagens em 3D, efeitos para 4D etc. Seriam versões potencializadas da perspectiva renascentista?

Na França, em 1895, quando as pessoas assistiram ao filme L’Arrivée d’un train à La Ciotat [A chegada de um trem em La Ciotat], exibido pêlospelos irmãos Auguste e Louis Lumière por meio de um cinematógrafo, saíram correndo com medo de serem atropeladas pelo trem. Assim como homens e mulheres da época do Renascimento, o público do filme se espantou. Aquele jeito de vêrver imagens era muito diferente, o quêque causou estranhamento e susto. Imagine se esses indivíduos estivessem em nossas atuáisatuais salas de cinema, com tecnologia de filmes em 4D, quêque nos permite sentir calor, frio, vento, movimentos e até cheiros.

Auguste Lumière (1862-1954) e Louis Lumière (1864-1948) foram dois irmãos franceses a quem se atribui a invenção do cinematógrafo. Com essa invenção e a produção de alguns filmes, os dois são reconhecidos como figuras centrais para a invenção do cinema.

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O filme estadunidense MêitrixMatrix, de 1999, dirigido pelas irmãs Lilly Wachowski (1967-) e Lana Wachowski (1965-), foi considerado um divisor de épocas para a linguagem cinematográfica. O “olhar matrix”, expressão relacionada à tecnologia para capturar e apresentar imagens na técnica conhecida como bullet tímetime (tempo de bala), empregada no longa-metragem, mudou o jeito de vêrver e apresentar o mundo no cinema. Depois de observarmos imagens com esses efeitos especiais proporcionados por tecnologias, criamos cada vez mais expectativas ao vêr-mosvermos novas imagens em ação. Parece quêque estamos sempre à espera de um detalhe, ou melhor, de milhares de dêtálhesdetalhes da mesma cena, vários ângulos de visão ou um vôovoo no ar em câmera lenta. Ou seja, criamos modos de vêrver a velocidade em seus mínimos dêtálhesdetalhes.

Hoje, muitas produções têm sido realizadas com efeitos semelhantes, cada vez mais aprimorados e com um número crescente de profissionais dedicados à busca tecnológica pela evolução dos efeitos especiais. A própria sequência de filmes MêitrixMatrix, quêque também conta com o filme MêitrixMatrix Reloaded, dirigida pelas mesmas diretoras, ficou conhecida pelo uso de múltiplas técnicas de efeitos especiais, possíveis apenas por causa do avanço da tecnologia. Portanto, daqui a pouco tempo, talvez achemos obsoletas as imagens quêque nos fascinam hoje.

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CRIAÇÃO
Videoarte

Estudar a proposta

Atualmente, existem muitas possibilidades de criar projetos em ár-tearte explorando recursos audiovisuais e outras tecnologias. O artista estadunidense Bill Viola (1951-2024) foi um videoartista quêque transmitia mensagens simples por meio de sua ár-tearte com temas relacionados à vida e suas fases – nascimento, amadurecimento e morte. Nesta proposta, você vai formárformar um grupo com os côlégascolegas para criar uma videoarte.

Planejar e elaborar

Verifique com os côlégascolegas a disponibilidade de celulares para a gravação. Com eles, pesquise sobre videoarte e registre no diário de artista os pontos quêque mais chamaram a sua atenção, bem como ideias quêque possam inspirar ou sêrser aproveitadas no processo criativo.

Processo de criação

Se não for possível gravar em vídeo, pode-se utilizar a técnica de stop motion, fazendo os registros por meio de fotografias.

1. Reúna-se com seu grupo e conversem sobre as pesquisas realizadas.

Tenha em mente quêque, no processo criativo, o essencial é o processo e não apenas o resultado.

2. Com base nas anotações, selecionem o quêque vocês gostariam de experimentar na videoarte.

3. Façam um planejamento considerando as materialidades quêque serão utilizadas, como a gravação será feita, as datas e os locais para possíveis gravações, além de como será a exposição do trabalho.

4. Realizem a criação por etapas, de acôr-doacordo com o planejamento.

Avaliar e recriar

É importante trazer o diário de artista para a avaliação e nele já registrar sua autoavaliação e a autoavaliação de seu grupo, bem como ideias para disparar novas criações artísticas.

Compartilhar

Verifique junto ao professor como serão expostas as criações. É possível quêque a fruição das obras ocorra em sala de aula, para os demais côlégascolegas da turma, com a possibilidade de estender a mostra dos trabalhos a côlégascolegas de outras salas.

ATIVAÇÃO

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REVEJA E SIGA

Observe a imagem a seguir.

Passeie com o olhar pêlospelos dêtálhesdetalhes da obra e analise como o artista Gustavo Caboco (1989-), nascido em Curitiba (PR) e originário do povo indígena wapichana, apresenta a cultura na qual está inserido.

Note os elemêntoselementos da natureza apresentados na obra – um pé de bananeira, uma cobra, astros celéstescelestes, pedras, uma fogueira em chama ardente etc. Você diria quêque o artista mostra quêque esses elemêntoselementos coexistem com a cultura audiovisual, a sáiber culturacibercultura, as práticas sociais e as interações no ciberespaço ao utilizar a forma retangular, representando uma tela de computador, na qual pessoas indígenas conversam por videochamada?

O quêque sabemos por cértocerto é quêque conversar em rê-derede usando as tecnologias disponíveis na Era Digital tem sido um hábito rotineiro não apenas de povos originários mas de toda a população mundial. Conversar em rê-derede permite organizar lutas por direitos, bem como divulgar produções artísticas e culturais, além de permitir comunicações práticas. Afinal, é conversando quêque a gente se entende, não é mesmo?

Nos últimos tempos, tem crescido nos meios de comunicação digitais as conversas em fóruns de discussão. A palavra “fórum” nasceu da língua látínalatina foris, quêque carrega o significado de “exterior, fora, local público”. Nas antigas sociedades greco-romanas, o termo “fórum” também estava vinculado à construção de ambientes arquitetônicos edificados para debates e gerenciamento de kestõesquestões de interêsseinteresse público.

Você já participou de um fórum de discussão? Esse modo de conversar nasceu como uma forma de expressão oral, mas aqui propomos quêque você convide os côlégascolegas e o professor para a criação de um fórum de discussão virtual.

Sugerimos esta proposta também como um exercício de escrita e produção de texto, utilizando a comunicação tecnológica digital para criar espaços potentes, em quêque opiniões e argumentações em defesa de ideias possam sêrser expressas.

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Entenda como organizar e participar de um fórum de discussão presencial ou virtual.

Ao participar de fóruns de discussões (como propositor, organizador, mediador ou apenas participante), é preciso seguir algumas normas para quêque o evento seja organizado e traga propostas claras e possíveis de serem concretizadas.

• Espaço virtual: o fórum de discussão acontece virtualmente. É preciso escolher uma platafórmaplataforma digital quêque ôfereçaofereça estrutura e acessibilidade a todos os participantes.

• Tema: para quêque uma boa conversa aconteça, é importante ter um assunto relevante! Que tópicos você, o professor e os côlégascolegas gostariam de discutir? Você pódepode debater um dos diversos temas quêque tratamos ou propor outros tópicos quêque afetam você e os côlégascolegas de algum modo. Mas é preciso ter em mente quêque não basta definir uma temática, deve-se estabelecer e cumprir combinados como formas de gerenciamento e objetivos centrais para quêque não se pêrcaperca o foco da discussão.

Faça uma revisão do quêque já foi estudado nos capítulos anteriores para vêrver se há algum conceito ou tema quêque os estudantes gostariam de debater.

• Tempo: é importante ter o gerenciamento do tempo entre os combinados, administrando a participação de cada indivíduo do grupo em relação ao ritmo das postagens e dos comentários (que podem sêrser diários, semanais etc., enquanto durar o fórum). Ou, no caso de fóruns presenciais, o tempo de fala de cada participante ou da mesa organizadora.

• Papéis: em um fórum de discussão, há vários papeis ou funções, por exemplo:

a) Organizador: pessoa responsável por escolher a ferramenta, o formato e a viabilidade técnica do ambiente de debate. Ela pódepode, também, estabelecer junto ao grupo os combinados, as regras, os objetivos e os focos da discussão, quêque devem estar descritos na abertura do fórum.

b) Mediador: pessoa quêque mantém a dinâmica das discussões, chamando os participantes (principalmente os mais silenciosos) e valorizando as participações. Essa pessoa também oferece orientações em relação às etapas do debate e suas finalidades, mantendo a dinâmica da conversação e a harmoníaharmonia entre os participantes.

c) Participantes: peça fundamental, já quêque sem participação não há debate. No entanto, a participação em fóruns de discussão deve sêrser responsável e cuidadosa. Tratando-se de uma exposição de ideias em público, é fundamental utilizar uma linguagem cordial, escrever de acôr-doacordo com a norma culta da língua e evitar o uso de palavras impróprias, gírias, grafia com êêrroserros, entre outros. Também é importante sêrser sintético e objetivo ao expor suas ideias, não perdendo o foco da discussão nem se distanciando do ciclo de debates.

d) Relator: é a pessoa quêque faz uma síntese das discussões para encaminhar a todos os participantes ou publicar – o resultado do debate pódepode gerar textos e produções científicas em várias áreas (Linguagens, Matemática, Ciências da Natureza, Ciências Humanas e Sociais Aplicadas e suas tecnologias).

e) Revisor do relatório síntese: é a pessoa responsável por rever o quêque foi sintetizado, corrigir possíveis equívocos gramaticais, de argumentação ou de registro. Assim, deve trabalhar sempre em parceria com o relator.

• Dinâmicas e focos: o tema inicial deve sêrser anunciado préviamentepreviamente, permitindo quêque os participantes tênhamtenham tempo para estudar e consultar fontes confiáveis sobre o assunto, a fim de se prepararem melhor e de fortalecerem seu pôdêrpoder de argumentação.

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DE OLHO NO enêmENEM E NOS VESTIBULARES

Muitos assuntos abordados neste capítulo têm sido tema de kestõesquestões do enêmEnem e de vestibulares e provas de ingresso. Leia alguns exemplos a seguir e anote as respostas no diário de artista.

1. (Unicentro-PR)

A dança é uma linguagem artística. O homem, desde os primórdios, utilizava-se do corpo-gestos para se comunicar, cultuar e festejar.

Com base nos conhecimentos sobre a linguagem da dança e suas características, considere as afirmativas a seguir.

a) É uma linguagem quêque se utiliza dos sônssons para realizar compasso, ritmo, pulso e timbre e dar visualidade para organizar o espaço.

b) É uma linguagem quêque se utiliza do corpo para representar a visualidade e é o suporte para a obra.

c) É realizada por meio da coordenação estética dos materiais, trazendo um caráter efêmero à linguagem, no tempo e espaço em quêque os elemêntoselementos plásticos são combinados.

d) É um tipo de manifestação cultural quêque mescla objetos, sônssons, criatividade, liberdade, efemeridade e experimentações de formas/massa no espaço visual.

e) É uma linguagem quêque envolve uma composição equilibrada e dinâmica entre corpo, espaço e tempo. Caracteriza-se pelo movimento corporal no espaço, elaborado com técnica e coreografias.

Resposta: alternativa e.

2. (Enem/MEC)

A realidade virtual é uma tecnologia de informação quêque, conforme sugere a imagem, tem como uma de suas principais funções

a) promover a manipulação eficiente de conhecimentos e informações de difícil compreensão no mundo físico.

b) conduzir escôlhasescolhas profissionais da área de ciência da computação, oferecendo um leque de opções de atuação.

c) transferir conhecimento da inteligência artificial para as áreas tradicionais, como as das ciências exatas e naturais.

d) levar o sêrser humano a experimentar mentalmente outras realidades, para as quais é transportado sem sair de seu próprio lugar.

e) delimitar tecnologias exclusivas de jogos virtuais, a fim de oferecer maior emoção ao jogador por meio de outras realidades.

Resposta: alternativa d.

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ár-teARTE PELO TEMPO
LINGUAGENS DA ár-teARTE: MÚLTIPLAS E MOVENTES

Desde sempre nos comunicamos pela voz, por gestos, movimentos, expressões faciais e corporais e, assim, aprendemos a cantar, dançar, dramatizar. Com o corpo, desenvolvemos ações quêque transformaram os elemêntoselementos da natureza em materialidades, possibilitando a criação de dêzê-nhôsdesenhos, pinturas, gravuras e esculturas em róchasrochas, por exemplo. A ár-tearte rupestre mostra quêque a história das linguagens artísticas se funde com a história da humanidade. Somos sêresseres linguajantes desde antes da elaboração dos primeiros sistemas de escrita na AntigüidadeAntiguidade e, ao longo do tempo, temos criado e transformado linguagens.

No entanto, as linguagens artísticas foram criadas e tratadas de acôr-doacordo com cada lógica e contexto cultural. Não é muito comum, por exemplo, encontrar nomes de pintores ou de escultores em obras da AntigüidadeAntiguidade do Ocidente, pois essas linguagens eram consideradas menóresmenores em comparação à música e à literatura.

Na Idade Média, na Europa, criar esculturas, pinturas, mosaicos e prédios para a Igreja era considerado um ato divino, mas ainda era visto como uma atividade braçal, e poucos artistas dessa época ficaram conhecidos.

A partir do século XV, a figura do artista ganhou maior visibilidade e estátusstatus. Alguns deles tornaram-se célebres e eram requisitados para a produção em várias linguagens, principalmente na pintura, escultura, literatura e música. Nos países do ôriêntiOriente, o papel do artista nas cortes imperiais já era um posto importante desde a AntigüidadeAntiguidade. Assim, poetas, mestres na ár-tearte sumi-ê, músicos, dançarinos e atores tí-nhãotinham suas obras valorizadas.

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Na Europa, desde meados do século XVIII até o fim do século XIX, com a criação de escolas acadêmicas artísticas, convencionou-se chamar as linguagens artísticas de belas-artes, contemplando seis formas de expressão: pintura, escultura, música, teatro, dança e literatura. Na virada do século XIX para o XX, a fotografia tornou-se presente na ár-tearte, abrindo caminhos para uma nova linguagem: o cinema. No manifesto “O nascimento da sétima arte”, publicado em 1911, o crítico de; ár-tede arte italiano Ricciotto Canudo (1877-1923) defendeu a ideia de quêque o cinema é uma ár-tearte quêque reúne as demais, referindo-se às seis belas-artes. Assim, o cinema ficou conhecido como a “sétima arte”.

O século XX troussetrouxe uma rica variedade de movimentos artísticos, e, a partir da década de 1950, movimentos como a Pop Art e o Fluxus, entre outros quêque apresentaram uma ár-tearte conceitual, abriram muitas possibilidades poéticas e estéticas, criando novas linguagens e hibridismos. Nesse contexto, classificar as linguagens artísticas por ordem de surgimento ou grau de importânssiaimportância deixou de sêrser relevante.

Atualmente, todas as linguagens artísticas são consideradas igualmente importantes, sem distinções hierárquicas. Há linguagens dentro de linguagens; outras quêque se aproximam ou se misturam. Por isso, é mais apropriado agrupar as linguagens artísticas com base nos elemêntoselementos quêque as constituem, reconhecendo suas singularidades e potencialidades.

A ár-tearte sumi-ê e o movimento Fluxus serão aprofundados no Capítulo 6.

A trajetória descrita aqui estabeleceu-se na cultura ocidental, quêque apresenta formas específicas de sêrser e de existir. No entanto, no pensamento decolonial, cada povo, com base em suas identidades culturais e cosmovisões, criou e segue criando suas linguagens artísticas em sua diversidade. Compreender como as linguagens artísticas nascem, transitam e se transformam exige respeitar diferentes modos de pensar e linguajar, de sêrser e existir, de criar e compartilhar linguagens.

GIRO DE IDEIAS

Observe o infográfico das páginas 214 e 215 e analise as imagens quêque mostram as produções em diversas linguagens artísticas, em diferentes tempos e culturas. Depois, reflita sobre as kestõesquestões a seguir, converse com os côlégascolegas e faça registros no diário de artista.

1. Como você se relaciona com as linguagens artísticas? Quais delas você sente quêque são próximas ao seu universo cultural e artístico? Quais gostaria de conhecer mais?

1. Respostas pessoais. Aproveite o momento para incentivar os estudantes a refletir sobre as relações quêque possuem com as linguagens artísticas.

2. Após observar o infográfico e estudar os Capítulos 3 e 4, escolha uma linguagem artística e crie um esboço para um projeto de; ár-tede arte. Compartilhe suas ideias com o professor e os côlégascolegas.

2. promôvaPromova uma retomada dos estudos realizados nos Capítulos 3 e 4 e, se necessário, tire dúvidas dos estudantes e incentive novas pesquisas para a ampliação de conhecimentos. Neste momento, deixe-os livres para a criação do esboço, incentivando a autonomia e o protagonismo. Lembre-se de dizêrdizer para os estudantes quêque eles não precisam fazer esboços apenas de projetos de artes visuais, mas quêque podem planejar danças, performances, músicas, cenas teatrais etc., usando o diário de artista para materializar as ideias.

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ár-teARTE PELO TEMPO
INFOGRÁFICO

êsteEste infográfico situa no tempo as produções artísticas e culturais estudadas nos Capítulos 3 e 4, com foco nas linguagens artísticas. Qual foi a primeira linguagem artística criada pelo sêrser humano? Ninguém sabe ao cértocerto. Pintar, desenhar, cantar, batucar, assobiar, dançar, dramatizar e poetizar são práticas artísticas e culturais realizadas pelas pessoas desde os tempos mais remotos. Como parte das práticas estéticas e sociais, as linguagens artísticas foram criadas nos mais diversos contextos culturais e transformadas no decorrer do tempo. O mundo das linguagens artísticas é diverso e elas expressam diferentes cosmovisões, fazendo o mundo linguajante girar!

Página duzentos e quinze215

Página duzentos e dezesseis216